Categoria: Cultura

O palco do Theatro Municipal do Rio de Janeiro receberá, em julho, um dos acontecimentos mais importantes da temporada lírica de 2026. Ausente de seu repertório há 80 anos, a ópera Salvator Rosa, de Antonio Carlos Gomes, volta à cena em uma nova produção que celebra os 117 anos do mais emblemático teatro lírico do Brasil e presta uma homenagem aos 190 anos de nascimento e aos 130 anos de morte do principal nome da ópera brasileira no século XIX.

Com patrocínio oficial da Petrobras, a montagem reúne os três corpos artísticos do Theatro Municipal — Coro, Ballet e Orquestra Sinfônica —, sob a concepção e direção cênica de Julianna Santos e a direção musical e regência de Luiz Fernando Malheiro.

As apresentações acontecem nos dias 12 de julho (estreia, às 17h), 14 (sessão gratuita, às 19h), 15, 17 e 18 (às 19h). Os ingressos estão à venda na bilheteria do Theatro Municipal e pelo site oficial.

A última vez que Salvator Rosa foi encenada no palco do Municipal foi em 1946. Seu retorno representa o resgate de uma obra fundamental do repertório de Carlos Gomes e recoloca em cena um capítulo marcante da história da instituição, que comemora o aniversário no dia 14 de julho.

Com estreia mundial em 21 de março de 1874, no Teatro Carlo Felice, em Gênova, a ópera foi escrita sobre libreto de Antonio Ghislanzoni, inspirado no romance Masaniello, do escritor Eugène de Mirecourt. Dedicada ao engenheiro e abolicionista André Rebouças, a obra surgiu logo após a recepção pouco favorável de Fosca e marcou um novo momento na trajetória de Carlos Gomes.

Escrita em apenas seis meses, Salvator Rosa apresenta melodias mais diretas e grande força dramática, características que conquistaram rapidamente o público italiano. O sucesso foi imediato: entre 1876 e 1877 tornou-se uma das óperas escolhidas para abrir temporadas em diversos dos mais importantes teatros da Itália, consolidando-se entre as obras mais populares do compositor.

No Brasil, Salvator Rosa foi exibida, pela primeira vez, em 29 de julho de 1882, em Belém. Décadas depois, chegou ao palco do Theatro Municipal do Rio de Janeiro, onde permaneceu ausente até esta aguardada remontagem, que devolve ao público uma das páginas mais expressivas da produção operística brasileira.

“Após reger Salvator Rosa em Manaus, dentro da cooperação entre o Festival Amazonas de Ópera e o Theatro Municipal do Rio de Janeiro, fico feliz em estar participando dessa recondução da linda ópera de Antônio Carlos Gomes ao repertório desta casa, onde tive a satisfação de reger Il Guarany e Condor, ambas em forma de concerto em anos anteriores. Nosso maior compositor do século dezenove precisa estar sempre presente nas programações dos nossos teatros”, afirma Luiz Fernando Malheiro, diretor musical e regente.

“Esta montagem convida o público a revisitar a Revolução Napolitana do século XVII por um olhar atual. As pinturas de Salvator Rosa deixam os museus e passam a integrar a narrativa da ópera: cada obra foi escolhida para dialogar com a dramaturgia, ampliando a força visual e emocional do espetáculo”, ressalta Julianna Santos, diretora cênica.

Sinopse

A ópera Salvator Rosa narra o romance entre o pintor italiano homônimo e Isabella, filha do opressor Duque d’Arcos. A trama mistura paixão com a revolta popular liderada por Masaniello contra a dominação espanhola em Nápoles no século XVII.

O SALVADOR ROSA NA OBRA DE CARLOS GOMES (por Bruno Furlanetto)
Antônio Carlos Gomes nasceu a 11 de julho de 1836, em Campinas, filho do escrivão e alfaiate Manoel José Gomes (1792-1868), conhecido como “Maneco Músico”. O adolescente Tonico costurou calças e paletós e aperfeiçoou seus estudos musicais sob a orientação do pai, que formou uma banda onde Tonico tocava rabeca, clarineta, flauta e piano, e o seu irmão Juca no violino e na clarineta. Aos 18 anos, bom acompanhador, compõe para o piano modinhas de sucesso e em estilo operístico italiano. Com o Juca efetua turnês por São Paulo e escreve o Hino à Mocidade Acadêmica, sucesso entre alunos da Faculdade de Direito. Apresenta-se, com sucesso, em vários concertos, tanto que convenceram-no a ir à Corte se aperfeiçoar no Conservatório. E lá se vai Tonico, onde desembarca no Rio de Janeiro, aos 23 anos. Matricula-se no Conservatório de Música dirigido por Francisco Manuel da Silva (o autor do Hino Nacional) tornando-se seu aluno. Compõe cantatas e, ainda estudante, ganha o cargo de diretor de orquestra e maestro na Ópera Nacional e Italiana do Teatro Lírico Fluminense. Neste Teatro, a 4 de setembro de 1861, é encenada, com êxito, sua primeira ópera ‘A noite do Castelo’ e, a 15 de setembro de 1863 a segunda, Joana de Flandres, “com feliz sucesso”. “Com feliz sucesso” escreveu Francisco Manuel para o diretor da Academia de Belas Artes, indicando Carlos Gomes para uma bolsa “para se aperfeiçoar na arte da composição musical”.

A legislação do Conservatório elegia, de cinco em cinco anos, o aluno “transcendente”, que era enviado à Europa para se aperfeiçoar. O aluno deveria fazer seus estudos “em qualquer conservatório da Itália”, daí nosso Tonico embarcar para Milão. Em fevereiro de 1864, aos 27 anos, Tonico tem o dissabor de ver recusada sua admissão ao Conservatório de Milão por ter passado da idade máxima. Consegue que o Diretor do Conservatório seja seu professor, mas não é aluno interno. Assim, depois de dois anos, presta exame perante uma comissão e em 1866, recebe o título de ”maestro” concedido aos compositores diplomados. Saído dos estudos, “Gomez” foi convidado a escrever as músicas da revista Se sa minga (“Nunca se sabe”), que obtém grande sucesso. É chamado para musicar outra revista, Nella luna , sem sucesso. O jovem compositor devia enviar ao Brasil “uma composição importante”, obrigação da bolsa concedida pelo Conservatório. Ele namorava um tema para uma “ópera nacional”: O Guarany, baseada no romance de José de Alencar. Em Milão, encontra uma tradução do romance em italiano. Entrega tal tarefa a Antonio Scalvini (autor de Se sa minga), mas os dois se desentenderam e o compositor então entrega o libreto ao amigo e poeta Carlo d’Ormeville. Assim, em fins de 1869, a ópera está pronta. A 19 de março de 1870 Il Guarany estreia em um Scala apinhado que lhe decreta um sucesso total, subindo à cena 46 vezes em três temporadas. Na Itália foi representada em 13 cidades e dela passou para 16 países, na Europa e nas Américas. No Brasil estreou a 2 de dezembro de 1870 no Teatro Lírico Fluminense e em nosso Municipal a 3 de agosto de 1914, onde teve, até hoje, 67 representações. Logo depois do triunfo de Il Guarany, Carlos Gomes lançou-se num novo projeto para se livrar do exotismo dos índios, e demonstrar que podia compor uma ópera “europeia”. Assim começa um I Moschettieri com D’Ormeville, no qual trabalha até abandoná-lo, quando aparece a oportunidade de trabalhar com um libretista célebre, Antonio Ghislanzoni, o parceiro de Verdi em várias obras-primas. Os novos parceiros escrevem Fosca (1873), que não chegou a ser um fracasso, mas um sucesso também não, como provam as várias revisões que Gomes fez na ópera, em 1878, pois a nova versão da ópera foi logo acusada de experimentalismo, até de wagnerismo! Não foram poucas as atribulações da ópera até sua aceitação, na nova forma, e chegar ao sucesso. Uma pena, pois, a ópera era, musicalmente, a mais bem acabada de Gomes – muitos afirmam ser o ponto alto de sua produção – influenciando Ponchielli e sua La Gioconda (1876): as semelhanças são muitas e não podem ser ignoradas. Logo depois, ainda em 1873, os dois novos amigos-sócios se puseram mãos-à-obra e escolheram como assunto da nova ópera o romance Masaniello Le Pecheur de Naples (1889), do francês Eugène de Mirecourt, popular folhetinista de assuntos pseudo-históricos e panfletista contra gente famosa. O assunto era uma revolta dos napolitanos (1647) contra os dominadores espanhóis, e receberia o título de seu herói, Salvator Rosa. A história é folhetinesca. Seu herói, o pintor e poeta siciliano, se envolve na revolta e se apaixona pela filha do próprio governador espanhol! Num tratamento livre, tipicamente romântico, a mocinha, quando vê que não pode se unir ao mocinho, se suicida, para desespero do pai duque-governador, enquanto Salvador Rosa termina tendo de seguir o pedido da suicida que, na hora da morte, lhe pede de continuar a viver para a sua arte. Um ano apenas depois do meio-fracasso de Fosca, uma obra composta “em seis meses como um desabafo” tornou-se a ópera de maior sucesso de Gomes, abrindo a temporada 1876-77 dos seis principais teatros italianos! A razão foi ter reduzido suas pretensões musicais e escrito uma ópera à francesa no velho estilo, de uma superficialidade musical cheia de melodias que lembravam a Nápoles do enredo. Isto foi ajudado pelo libreto de Ghislanzoni onde o interesse dramático está dividido num grande número de personagens principais que tem música muito colorida para satisfação do público. Gomes, não sabemos o porquê, nunca teve em boa consideração o Salvator, sua correspondência sobre ele foi sempre negativa, apesar do sucesso junto ao público: Vejamos os fatos: na estreia em Genova ele foi chamado à cena 36 vezes!. No Scala de Milão, em 1874, teve 15 récitas! No Rio de Janeiro em 28 de setembro 1876 foi a confirmação de ser o grande sucesso de sua carreira. Ouvindo-se a obra nota-se logo que o modelo de Gomes foi Verdi, o que é evidente em várias de suas “passagens” entre recitativos e melodias dos chamados “números fechados”, um estilo “conversação musical” num domínio total da “parola scenica’” ensinada pelo mestre. Quanto à orquestração, ela é tão bem cuidada quanto a de Fosca, se bem que mais simples. Visando conquistar o público com formas musicais mais acessíveis, em Salvator Rosa Carlos Gomes mostra ter atingido um estágio de maior maturidade na utilização de seus recursos expressivos.

Sobre Luiz Fernando Malheiro:
É um dos principais nomes da ópera no Brasil com mais de 60 títulos regidos. É Diretor Artístico e Regente Titular da Orquestra Amazonas Filarmônica e do Festival Amazonas de Ópera. Foi diretor artístico do Teatro São Pedro de São Paulo e diretor de Ópera no Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Regeu as principais orquestras brasileiras e também no Festival de Ópera de La Coruña, Sinfônica de Miami, Sinfônica de Bari, Filarmônica Marchigiana, Ópera Nacional de Sófia, Sinfônica de Porto Rico, Teatro de Bellas Artes do México, entre outros. É o único brasileiro a ter regido integralmente O Anel do Nibelungo de Wagner.

Sobre Julianna Santos
Diretora Cênica graduada pela UFRJ iniciou sua carreira em ópera em 2003 ainda na universidade. Atualmente atua como diretora cênica nos principais teatros de ópera do país. Em 2026, dirigiu a ópera Salvator Rosa de Carlos Gomes, no Teatro Amazonas, em parceria com o Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Em 2025, dirigiu a ópera Os Pescadores de Pérolas no Theatro Municipal do Rio de Janeiro. No mesmo ano, dirigiu As Bodas de Fígaro no Theatro Amazonas (26º Festival Amazonas de Ópera). Em 2024, a Cinderela do Theatro São Pedro foi levada em uma itinerância a cidades do interior de São Paulo, além de ser reapresentada na temporada anual do Theatro São Pedro. Em 2023, dirigiu a ópera Cosi Fan Tutte na abertura da programação do Theatro Municipal de São Paulo. No mesmo ano, dirigiu três óperas brasileiras contemporâneas, sendo elas: Piedade, de Joao Guilherme Ripper (25º Festival Amazonas de Ópera), O Machete, de André Mehmari (Theatro São Pedro – SP) e Contos de Julia, de Marcus Siqueira (Festival de Música Erudita – ES). Ainda em 2023, dirigiu as óperas Carmen (Theatro Municipal do Rio de Janeiro), A Medium (Teatro Padre Bento, Guarulhos), Cinderela (Theatro São Pedro, SP) e Sonho de uma Noite de Verão (Sala São Paulo). No mesmo ano, foi jurada do importante concurso Lapinha direcionado à cantores indígenas, pardos e pretos. Em 2022 dirigiu a estreia da ópera inédita Aleijadinho, de Ernani Aguiar, realizada em Ouro Preto e no Palácio das Artes (BH). Ainda em 2022, dirigiu a ópera Viva La Mamma, de Donizetti, no Theatro São Pedro. Em 2021, dirigiu juntamente com Maria Thais, a ópera The Rake’s Progress, no Theatro Municipal de São Paulo. No mesmo ano, dirigiu em Santos a ópera-vídeo O Telefone, bem como a ópera-filme Três Minutos de Sol para o Festival Amazonas de Ópera. Ainda em 2021, no Theatro Municipal do Rio de Janeiro dirigiu a série vozes Femininas (Armida Abbandonata, Arianna a Naxos e Pierrot Lunaire). No festival Amazonas de Ópera dirigiu a premiada ópera “Alma” de Claudio Santoro (Revista Concerto – 2019), “Acis and Galatea ”de Haendel (2018) e “O Morcego” de Johann Strauss (2013). Em 2018 retorna a UFRJ para dirigir a Opera “A Flauta Mágica”, levada também ao Teatro Municipal de Niterói. Em 2017 dirigiu La Tragedie, de Carmen, no Theatro Municipal do Rio de Janeiro. Durante quatro anos foi Diretora Cênica Residente no Theatro Municipal de São Paulo, onde foi responsável pela direção de remontagem das óperas La Bohème e Cavalleria Rusticana. Em 2019, foi Diretora Cênica colaboradora, na remontagem da opera Faust, no Teatro Municipal do Chile. Em 2012 visitou por cinco semanas a “Opera Company of Philadelphia, na ocasião trabalhando em coprodução com o Festival Amazonas de Ópera.

Elencos:
12, 15 e 18 de julho/14 e 17 de julho
Salvator Rosa: Marcello Vannucci /Enrique Bravo
Isabella: Marly Montoni /Marianna Lima
Gennariello: Carolina Morel /Maria Gerk
Masaniello: Vinícius Atique/Johnny França
Il Duca d’Arcos: Savio Sperandio/Licio Bruno
Corcelli: Murilo Neves/Leonardo Thieze
Conde Badajos: Geilson Santos/Ivan Jorgensen
Fernandez: Ricardo Gaio/Jessé Bueno
Bianca: Gabriele de Paula/Magda Belloti
Suora Ines: Lara Cavalcanti/Carla Rizzi
Fra Lorenzo: Patrick Oliveira/Ciro d’Araújo

Ficha Técnica:
Coreografia: Hélio Bejani, Márcia Jaqueline e Rodolfo Saraiva
Direção de Movimento: Mônica Barbosa
Design Gráfico: Carla Marins
Cenografia: Renato Theobaldo
Figurinos: Marcelo Marques
Iluminação: Paulo Ornellas
Concepção e Direção Cênica: Julianna Santos
Direção Musical e Regência: Luiz Fernando Malheiro
Direção Artística da Temporada 2026: Eric Herrero
Presidente da Fundação Teatro Municipal: Clara Paulino

Serviço:
Salvator Rosa – Antonio Carlos Gomes
Com Coro, Ballet e Orquestra Sinfônica do Theatro Municipal do Rio de Janeiro
Local: Theatro Municipal do Rio de Janeiro
Endereço: Praça Marechal Floriano S/Nº – Centro
Datas e horários:
12/7 (estreia) –17h
14/7 (Theatro Municipal do Portas Abertas – programação gratuita) – às 19h
15/7, 17/7 e 18/7, às 19h
Duração: 3h com 1 intervalo
Classificação: 14 anos

Ingressos: Frisas e Camarotes – R$90 (ingresso individual)
Plateia e Balcão Nobre – R$80
Balcão Superior e Lateral – R$50
Galeria Central e Lateral – R$20
Ingressos através do site www.theatromunicipal.rj.gov.br ou na bilheteria do Theatro. A venda do terceiro lote será no dia 6 de julho e a partir do dia 7 serão disponibilizados os ingressos gratuitos para a ópera do dia 14 (direito a 2 ingressos por cpf).
Acessibilidade
Palestras Gratuitas antes dos espetáculos
Patrocinador Oficial Petrobras
Apoio: Livraria da Travessa, Rádio Nova Paradiso, Rádio Roquette Pinto – 94.1 FM
Realização Institucional: Fundação Teatro Municipal e Associação dos Amigos do Teatro Municipal
Lei de incentivo à cultura

O artista transdisciplinar Ricardo Siri inaugurou no sábado, 27, às 10h, no Museu Histórico da Cidade, na Gávea, no Rio de Janeiro, a exposição inédita “PRO-POLIS”, que apresenta cerca de 30 obras produzidas com mel, cera de abelha e própolis. Com curadoria de Fernanda Lopes, a mostra marca o resultado de uma pesquisa iniciada há cerca de oito anos, quando o artista passou a estudar e criar abelhas nativas brasileiras, atividade que lhe rendeu, inclusive, o reconhecimento como produtor do terceiro melhor mel do Brasil. (Foto: Divulgação)

As pinturas e esculturas estabelecem um diálogo entre arte, natureza, ciência e tecnologia, explorando materiais produzidos pelas abelhas como elementos centrais da criação artística. Segundo Siri, a proposta é revelar os processos coletivos presentes tanto na vida das colmeias quanto na organização da sociedade.

“Os trabalhos estabelecem uma ponte entre natureza, cidade e cultura, revelando processos invisíveis de construção coletiva, proteção e transformação”, afirma o artista.

Para a curadora Fernanda Lopes, a exposição propõe uma reflexão sobre coexistência e cuidado a partir dos próprios materiais utilizados pelas abelhas.

“Em PRO-POLIS, Ricardo Siri transforma materiais produzidos pelas abelhas em dispositivos de pensamento. Seu interesse não está em representar a natureza, mas em trabalhar a partir dela. Os materiais carregam histórias, geografias e relações ecológicas complexas”, destaca.

Entre os destaques da mostra estão pinturas abstratas produzidas com própolis, substância utilizada pelas abelhas para proteger a colmeia. Nas obras, o material assume o papel de pigmento natural, criando superfícies em diferentes tonalidades de marrom, verde e vermelho. Algumas peças utilizam ainda geoprópolis — mistura de terra e própolis produzida por espécies como a mandaçaia — ampliando o diálogo entre arte, território e biologia.

A geometria característica das colmeias também aparece em uma série de trabalhos confeccionados com folhas de cera de abelha moldadas pelo artista. Em “Estudos para Movimento Mel Concreto”, Siri faz referência ao Movimento Neoconcreto, utilizando estruturas hexagonais inspiradas na organização das abelhas. Formado em engenharia civil, o artista afirma que a geometria é um elemento recorrente em sua produção.

Outra série presta homenagem ao pintor holandês Piet Mondrian. Batizadas de “Meldrian”, as obras reproduzem a linguagem visual do artista utilizando exclusivamente mel e ceras naturais de diferentes espécies de abelhas, sem adição de pigmentos artificiais. Durante suas pesquisas, Siri constatou que cada espécie produz ceras com colorações próprias, que podem variar até mesmo dentro de uma mesma colmeia.

A tecnologia também integra a exposição. O artista desenvolveu QR Codes produzidos com folhas de cera que podem ser escaneados por celulares e direcionam o visitante para conteúdos sobre as colmeias responsáveis pela produção daquele material. Em outras pinturas, os códigos aparecem camuflados em composições geométricas feitas com própolis e pigmentos extraídos de flores e plantas cultivadas em seu quintal, como urucum, café e bougainville. Ao serem fotografadas, as imagens revelam conteúdos ocultos relacionados ao universo das abelhas.

“A ideia é provocar um novo olhar sobre a obra. As pessoas fotografam muito nas exposições. Então resolvi transformar esse hábito em parte da experiência e, de certa forma, polinizar as pessoas”, explica o artista.

A exposição também aborda questões ligadas à migração. Em uma série de mapas-múndi produzidos com cera de abelhas estrangeiras presentes no Brasil, Siri presta homenagem tanto às espécies introduzidas no país quanto aos imigrantes que ajudaram a construir sua história familiar.

A maior parte dos materiais utilizados na exposição é proveniente do próprio meliponário do artista, dedicado à criação de abelhas nativas brasileiras. A mostra permanece em cartaz no Museu Histórico da Cidade e convida o público a refletir sobre as relações entre arte, ecologia, memória e convivência coletiva.

Serviço
Exposição “PRO-POLIS”, de Ricardo Siri
Abertura: 27 de junho de 2026, às 10h
Exposição: até 22 de agosto de 2026
Museu Histórico da Cida (MHC) [3º andar]
Estrada Santa Marinha, s/n – Gávea – Rio de Janeiro – RJ
De terça a domingo, das 9h às 16h.
Entrada gratuita
Curadoria: Fernanda Lopes

A partir de 11 de julho no Jardim Botânico do Rio de Janeiro, “O Tempo das Plantas” propõe uma reflexão sobre circulação de espécies, memória, ciência e intercâmbios culturais entre territórios e saberes.

Realizada na histórica Casa Pacheco Leão, a exposição gratuita convida o público a desacelerar e observar o mundo a partir do tempo das plantas. Muito antes de se tornarem bebidas globais, chá e café nasceram de paisagens específicas, de montanhas úmidas, florestas tropicais e terras cultivadas por gerações de agricultores que aprenderam a acompanhar os ritmos das estações, da chuva e da luz. Ao longo dos séculos, suas folhas e sementes cruzaram oceanos, transformando economias, paisagens e modos de convivência.

A narrativa parte das origens da Camellia sinensis, nas montanhas do sul da China, e do Coffea arabica, nas terras altas da Etiópia, do Quênia e do Sudão, para refletir sobre as conexões históricas entre África, Ásia e Brasil. A exposição também destaca o papel histórico do próprio Jardim Botânico.

“A Casa Pacheco Leão é um importante marco no desenvolvimento do Jardim Botânico como instituição de referência em pesquisa botânica. Receber uma exposição tão linda sobre duas plantas importantes presentes na tradição de diferentes culturas ao redor do mundo, e na história da China e do Brasil, reforça a conexão entre ciência, flora, história e cultura dos povos. Um presente para os nossos visitantes”, reforça o presidente do Jardim Botânico do Rio de Janeiro, Sergio Besserman Vianna.

Com curadoria do estúdio UM.BA.RA.KÁ, a exposição reúne mais de 200 itens entre obras de arte contemporânea, documentos históricos, ilustrações botânicas, objetos científicos, utensílios tradicionais, registros fotográficos, instalações sensoriais e conteúdos audiovisuais. O percurso articula arte, ciência e memória para abordar temas como agricultura ancestral, circulação de espécies, viagens marítimas, intercâmbios culturais, colonialismo, relações comerciais, biodiversidade e diferentes formas de conhecimento construídas em relação à natureza.

“Vivemos em um tempo acelerado, mas as plantas nos lembram de outras formas de perceber o mundo. Ao acompanhar as trajetórias do chá, do café e de outras espécies, a exposição convida o público a refletir sobre como plantas, pessoas e territórios se transformam mutuamente ao longo do tempo. Entre arte, ciência e memória, ‘O Tempo das Plantas’ propõe um olhar atento para as conexões que unem natureza e cultura e para os conhecimentos que surgem dessa relação”, destaca Isabel Seixas, da equipe curatorial da exposição.

Participam da mostra artistas como Tiago Sant’Ana, Mãe Celina de Xangô, Emerson Rocha, Jingwei Bu e Gustavo Caboco, em diálogo com acervos de instituições nacionais e internacionais, entre elas o próprio Jardim Botânico do Rio de Janeiro (JBRJ), Instituto Moreira Salles (IMS), Biblioteca Nacional, Wellcome Collection, Biodiversity Heritage Library, The National Palace Museum Collection, Shanghai Museum, The Palace Museum (Beijing Palace Museum), Museu Nacional do Palácio de Taipei e The Metropolitan Museum of Art, além de coleções particulares e acervos indígenas.

“O Tempo das Plantas” ocupa a Casa Pacheco Leão, residência construída no início do século XX para o médico e botânico Antônio Pacheco Leão, diretor do Jardim Botânico entre 1915 e 1931. Restaurada e reaberta em 2024, a casa consolida-se hoje como um espaço dedicado ao diálogo entre arte, ciência e natureza. Sua restauração e a realização da exposição integram o compromisso da State Grid Brazil Holding e do Banco BOCOM BBM com a valorização do patrimônio, a sustentabilidade e o acesso à cultura, especialmente no contexto das celebrações das relações culturais e institucionais entre Brasil e China.

Além da experiência expositiva, o projeto contará com programação educativa, visitas mediadas, atividades sensoriais, cerimônias do chá e ações voltadas à acessibilidade, buscando aproximar diferentes públicos das discussões propostas pela mostra. O projeto conta ainda com consultoria do Instituto Confúcius e a colaboração de uma comissão curatorial formada por servidores do JBRJ.

Serviço – Exposição “O Tempo das Plantas”

Local: Casa Pacheco Leão – Jardim Botânico do Rio de Janeiro

Rua Jardim Botânico, 1008, Rio de Janeiro/RJ Abertura: 11 de julho de 2026

Período de visitação: até junho de 2027

Horário: das 10h às 17h (fechado às quartas)

Entrada gratuita

Classificação livre https://heylink.me/casapachecoleao

Este projeto é realizado através da Lei Rouanet, e conta com patrocínio da State Grid Brazil Holding, do Banco BOCOM BBM, com apoio do BMTE, e co-realização do estúdio UM.BA.RA.KÁ e realização do Jardim Botânico do Rio de Janeiro, do Ministério do Meio Ambiente e Mudança do Clima, do Ministério da Cultura e do Governo Federal, do lado do povo brasileiro.

O Roxy Dinner Show consolida, em tempo recorde, seu lugar entre as grandes experiências culturais do mundo. Inaugurado em 17 de outubro de 2024, o espaço já acumula reconhecimentos internacionais e agora celebra mais uma conquista de peso: a inclusão no Travellers’ Choice Awards 2026, figurando entre os 10% das melhores atividades de todo o planeta.

O novo prêmio chega na esteira de outro feito expressivo. Em março de 2025, o Roxy foi destacado pela Time como um dos melhores lugares do mundo para visitar, integrando uma seleção global de hotéis e atrações imperdíveis. Na ocasião, o endereço icônico na esquina da Avenida Nossa Senhora de Copacabana com a Rua Bolívar apareceu como uma das poucas indicações da América Latina, sendo uma das quatro escolhidas em toda a América Central e do Sul.

O reconhecimento do Tripadvisor reforça ainda mais a relevância do empreendimento no cenário internacional. O Travellers’ Choice Awards é concedido com base em critérios rigorosos, como a qualidade e a quantidade de avaliações, a nota média dos usuários, a consistência das opiniões ao longo de 12 meses e o nível de engajamento na plataforma. Trata-se de uma chancela direta do público, construída a partir da experiência real de viajantes de diferentes partes do mundo.

Dentro da premiação, existem dois níveis principais: o selo Travellers’ Choice, que posiciona o vencedor entre os 10% melhores do mundo, e a categoria Best of the Best, ainda mais exclusiva, destinada ao top 1% global. Ao conquistar espaço nesse seleto grupo logo em seu primeiro ano de funcionamento, o Roxy demonstra não apenas impacto imediato, mas também consistência na experiência oferecida. Para o turismo, esse tipo de reconhecimento vai além do prestígio simbólico. Ele amplia a credibilidade internacional, fortalece o posicionamento premium e influencia diretamente a decisão de viajantes, além de impulsionar resultados comerciais, presença em buscas e parcerias com agências e operadores. Na prática, funciona como um selo de confiança global.

Mais do que um prêmio, o Travellers’ Choice representa a validação do público. Todos os anos, os vencedores são definidos a partir das avaliações acumuladas ao longo de 12 meses, refletindo experiências autênticas e opiniões reais. A edição de 2026, em especial, celebra os destinos e atrações que marcaram as jornadas dos viajantes no último ano, lugares que transformaram visitas em memórias.

Nesse contexto, o Roxy Dinner Show reafirma sua proposta: unir patrimônio histórico, tecnologia e espetáculo em uma experiência imersiva única. Em menos de dois anos, o espaço não apenas reabriu suas portas, mas se reposicionou como um dos grandes ícones do entretenimento e do turismo cultural contemporâneo, projetando o Rio de Janeiro para o centro das experiências globais.

A premiação corrobora com a excelência do projeto – O antigo cinema Roxy foi, por décadas, um dos maiores e mais emblemáticos espaços culturais do Brasil, destacando-se como símbolo do estilo Art déco. Hoje, restaurado e reimaginado, preservando sua memória e relevância histórica, ao mesmo tempo em que incorpora um projeto arquitetônico contemporâneo que respeita os elementos originais que marcaram gerações. A entrada já impressiona com a nova calçada em pedras portuguesas, inspirada em Copacabana, enquanto a fachada ganha tons dourados que remetem à era de ouro do cinema. As colunas cilíndricas foram valorizadas e mantidas como identidade visual do prédio, e a transparência da esquadria externa reforça a integração entre interior e exterior. Entre os destaques, está a cúpula luminária restaurada, com 280 m² e mais de duas toneladas, elemento que resgata, com imponência, o esplendor original do espaço. A estrutura em abóbada, assinada por Emílio Henrique Baumgart, também foi recuperada, enquanto todo o ambiente recebeu melhorias de acústica e conforto.

No presente, o novo palco de 400 m² abriga um painel de LED côncavo com tecnologia 4D, proporcionando uma experiência imersiva em 180°, que conduz o público por uma viagem sensorial pelo Brasil, do Pelourinho à Amazônia. Com capacidade atual para 626 pessoas, o espaço se transforma em um sofisticado dinner show, onde o projeto de iluminação interage com o espetáculo, ampliando a imersão do público. No foyer, permanecem elementos históricos, como escadas e materiais originais, enquanto detalhes em granito, lioz rosa e guarda-corpos dourados foram cuidadosamente restaurados. O resultado é um espaço que equilibra passado e presente, reafirmando sua importância como palco da cultura brasileira.

“Aquele Abraço” – Com direção geral de Abel Gomes, o espetáculo “Aquele Abraço” celebra a diversidade e a alegria do Brasil em uma megaprodução voltada para toda a família. Dezenas de cantores, atores, bailarinos e músicos apresentam um show que viaja pelos ritmos e expressões culturais do Brasil, do samba ao Funk, do Frevo à Bossa Nova, passando pela poesia, pela street art e pelos costumes de diferentes regiões. Com direção cênica e coreografias de Priscilla Mota e Rodrigo Negri, vencedores do Carnaval pela Unidos do Viradouro, e roteiro de Leonardo Bruno, o espetáculo é um verdadeiro mosaico da brasilidade, destinado a encantar tanto turistas nacionais e internacionais quanto os próprios cariocas. A direção musical é de Pretinho da Serrinha, com um repertório que passeia por mais de 50 canções de diferentes ritmos nacionais. Com figurinos assinados por Leonardo Bora e Gabriel Haddad, carnavalescos da escola de samba Grande Rio, o espetáculo traz 350 fantasias exclusivas e um elenco de 60 artistas em cena. É uma experiência imersiva e sensorial, enriquecida ainda pelo desenho de luz de Maneco Quinderé. O projeto do Roxy Dinner Show é uma realização da Accioly Participações e do DC Set Group.

A experiência no Roxy Dinner Show acontece de quarta a domingo, das 19h às 22h45, combinando gastronomia e música ao vivo. Durante cerca de duas horas de jantar, o público aprecia apresentações da Banda Roxy, com clássicos da Bossa Nova e da MPB. Em seguida, o espetáculo “Aquele Abraço” completa a noite com 1h30 de entretenimento imersivo. A proposta gastronômica leva a assinatura do chef Danilo Parah, com cardápios sazonais criados em parceria com chefs convidados e executados pelo chef executivo Caio Silva. Em uma cozinha de alto padrão, o espaço oferece uma experiência culinária sofisticada, alinhada ao nível dos melhores hotéis do mundo.

Roxy Dinner Show
Rua Bolívar, 45 – Copacabana – Rio de Janeiro
•     Funcionamento de: 4ª a Domingo
•     Aberta da casa: 18h30
•     Pré Show: 19h15
•     Jantar: a partir das 19h
•     Apresentação “Aquela Abraço”: 21h
Pacote Copacabana / Pacote Rio de Janeiro / Pacote Aquele Abraço
A partir de R$ 396,00
Capacidade: 626 lugares
Acessibilidade
Classificação Livre
Tickets especiais para crianças até 12 anos
Bilheteria no local: 10h às 18h (2ª e 3ª) / 10h às 21h (4ª a domingo)
Formas de pagamento: Cartões Visa, Mastercard e Amex
Informações: https://roxydinnershow.com.br/
Compra de ingressos: https://roxydinnershow.com.br/venda-ingressos/