Categoria: Cultura

Museu Audiovisual Universitário inaugura espaço no IACS e abre gratuitamente ao público a partir desta quarta-feira (26)

Niterói terá um novo local dedicado à memória audiovisual. O Museu Audiovisual Universitário (MAU) inaugura seu espaço expositivo no casarão do Instituto de Arte e Comunicação Social (IACS), em São Domingos, com apoio da Prefeitura de Niterói, por meio da Secretaria Municipal das Culturas. A partir do dia 26 de agosto, o museu estará aberto gratuitamente à visitação todas as quartas-feiras, das 10h às 17h.

Criado em 2024, o MAU integra o Laboratório Universitário de Preservação Audiovisual da Universidade Federal Fluminense (LUPA-UFF) e é dedicado à preservação de objetos, equipamentos e outros artefatos relacionados à história do audiovisual. O acervo do LUPA reúne mais de 500 itens, com destaque para equipamentos históricos. Os visitantes terão a chance de ver de perto cerca de 50 peças, entre câmeras, projetores, gravadores de som, placas de lanterna mágica e películas cinematográficas de diferentes formatos e épocas, abrangendo um período que vai do fim do século XIX aos anos 1970.

A exposição de longa duração “A multiplicidade do cinema” tem curadoria do professor da UFF Rafael de Luna Freire e apresenta a diversidade do acervo do MAU, com ênfase na história do cinema amador fluminense e nos registros produzidos por pessoas comuns no Estado do Rio de Janeiro.

“O MAU é um museu universitário especializado na história do audiovisual brasileiro que vem somar à vocação da cidade para o cinema e se tornar mais um espaço para apresentação dos resultados das pesquisas e atividades desenvolvidas no âmbito dos cursos de cinema e audiovisual da UFF”, explica Rafael de Luna Freire.

Entre as relíquias do museu está a câmera Debrie Parvo L, que pertenceu à atriz Carmen Santos, uma das primeiras mulheres a produzir e dirigir filmes no Brasil. O público também poderá conhecer um projetor nacional conjugado para películas de 35mm e 70mm que funcionou no Cine Pathé Palácio, na Cinelândia, além de placas de lanterna mágica do século XIX, tecnologia de projeção de imagens anterior ao próprio cinema.

A relação entre audiovisual, memória e a história de Niterói também marca presença. O MAU presta homenagem à Cine Propaganda Fluminense, de Eduardo Abelin, empresa que, nas décadas de 1950 e 1960, realizava exibições de filmes em ruas e praças da cidade. A trajetória será apresentada por meio de um documentário inédito produzido a partir de documentos doados pela família Abelin ao LUPA-UFF.

A experiência proposta pelo museu combina preservação histórica e novas tecnologias. Um exemplo disso é a reconstrução digital imersiva do antigo Cine Metro, localizado na Rua do Passeio, no Rio de Janeiro, possibilitando uma aproximação com a arquitetura e a experiência das grandes salas de cinema de outros períodos.

Para a secretária municipal das Culturas de Niterói, Julia Pacheco, a abertura do museu fortalece a relação da cidade com a memória, a pesquisa e a produção de conhecimento.

“A chegada do MAU amplia o acesso da população a um patrimônio que ajuda a compreender a nossa história e as transformações do audiovisual. É um espaço que aproxima cultura, educação e memória e reafirma a importância da universidade pública na preservação e na circulação do conhecimento. Para Niterói, é muito significativo poder apoiar uma iniciativa que torna esse acervo acessível e cria novas possibilidades de encontro da população com a cultura”, afirma ela.

Além de visitar o espaço, o público vai conseguir conhecer e pesquisar o acervo do MAU por meio da base de dados disponível no site do LUPA-UFF, que reúne informações sobre os objetos e equipamentos audiovisuais preservados pelo laboratório. A oferta digital amplia o acesso ao acervo e contribui para atividades de pesquisa, ensino e preservação da memória audiovisual. O museu recebe visitantes gratuitamente às quartas-feiras e também oferece visitas para grupos mediante agendamento prévio pelo site.

Serviço
Museu Audiovisual Universitário (MAU)
Abertura para visitação regular: 26 de agosto (quarta-feira)
Visitação: quartas-feiras, das 10h às 17h
Grupos: visitas mediante agendamento pelo link:lupa.uff.br/fale-conosco
Base virtual: lupa.uff.br/colecao-de-equipamentos-audiovisuais
Entrada: gratuita
Local: Casarão do Instituto de Arte e Comunicação Social (IACS), Bloco C
Endereço: Rua Lara Vilela 126, São Domingos, Niterói

 

Durante quase um ano, um beija-flor passou todas as tardes pousando no mesmo galho do quintal de Edu Monteiro. Ao dormir, o pássaro entra em estado de torpor, reduz drasticamente sua temperatura corporal e seus batimentos cardíacos antes de voltar a voar na manhã seguinte. Essa convivência levou o artista a investigar outra experiência do tempo: menos orientada pela velocidade e pela produtividade, mais atenta ao repouso e aos ritmos próprios da natureza. Dessa observação nasce Sono do Beija-Flor, nova exposição individual que a Galeria Movimento inaugura em 26 de agosto.

A mostra reúne cerca de 16 obras inéditas, entre esculturas, fotografias e uma pintura. Edu Monteiro, conhecido por uma produção que atravessa fotografia e vídeo, tendo recebido o 1o lugar no prêmio Mosaico Rio de Cultura Firjan em 2025 e no Funarte Marc Ferrez de Fotografia 2021 com o projeto Paisagem Vertical, e também sendo finalista do Prêmio Pierre Verger e do Photovisa, o artista, agora, foca sua pesquisa em escultura, aprofundando um interesse pelas transformações da matéria e pelos processos lentos que atravessam tanto a natureza quanto a experiência humana.

Sono do beija-flor, de Edu Monteiro
Galeria Movimento | Rua dos Oitis, 15 – Gávea
Abertura: quarta, 26 de agosto de 2026, das 18h30 às 21h30
Visitação: de 26 de agosto a 26 de setembro de 2026
De terça a sexta, das 11h às 19h, e sábado, das 13h às 17h
Entrada gratuita

 

 

 

Com curadoria de Ana Carla Soler, mostra reúne pela primeira vez as obras da artista Maria Cherman e de sua neta, Nathalie Ventura. A dupla nunca dividiu um ateliê nem trocaram influências diretas, mais de meio século as separa e cada uma construiu seu percurso de forma independente.

Maria pela pintura, escultura e fotografia; Nathalie pela arquitetura, instalações e desenho. O ponto de partida da exposição é justamente a confluência entre as pesquisas. Colocadas lado a lado, as obras das duas artistas revelam obsessões visuais parecidas, surgidas sem combinação prévia. “A exposição nasce do desejo de construir, entre avó e neta, uma composição sinérgica entre corpos de obra que pareciam distantes à primeira vista”, resume a curadora Ana Carla Soler.

A curadoria organiza este encontro em eixos. O primeiro parte da geometria: Maria integrou por anos o coletivo Dez ao Cubo e investiga quinas e ângulos em esculturas e fotografias, enquanto Nathalie, formada em arquitetura, usa o cubo como ponto de partida e de dissolução em suas peças com malha de aço. O segundo eixo é a linha, presente no contorno dos corpos que Maria desenha nas séries Corpo-gráfico e Meus Vermelhos, e nas tramas de pedra, prego e fibra vegetal que Nathalie constrói. Um terceiro eixo aproxima os trabalhos têxteis de Maria, que remetem ao talit, o xale ritual judaico, às estruturas em malha de aço de Nathalie, duas lógicas de tecer que se encontram apesar dos materiais opostos. Por fim, produções recentes das duas artistas abandonam a rigidez geométrica em favor de formas orgânicas inspiradas em raízes e rizomas.

Matéria Familiar, de Maria Cherman e Nathalie Ventura
Centro Cultural Correios | R. Visconde de Itaboraí, 20 – Centro
Abertura: quarta-feira, 19 de agosto de 2026, às 16h
Visitação: 19 de agosto a 10 de outubro de 2026
Funcionamento: de terça a sábado, das 12h às 19h
Entrada gratuita

 

O Sesc São Gonçalo apresenta a exposição Outras Morfologias, que promove o encontro inédito entre as artistas Clara Machado, Mariana Paraizo, Mery Horta e Mônica Coster. Contemplado pelo edital Sesc Pulsar e com curadoria de Rayssa Veríssimo, o projeto exibe formas híbridas que deslocam o ser humano do centro do mundo. A partir de formas e materiais múltiplos, o projeto nos lembra que somos parte de uma natureza, ao mesmo tempo orgânica e artificial. A visitação é gratuita e segue aberta até o dia 4 de outubro. A exposição foi selecionada pelo Edital de Cultura Sesc RJ Pulsar.

A mostra apresenta múltiplas linguagens — como escultura, desenho, bordado e instalação — explorando materiais que evocam o humano por meio dos seus vestígios e paradoxos. Na construção desse ecossistema espalhado pelo espaço, Clara Machado utiliza cerâmica, ferro e resina para criar estruturas que remetem a ossos, vísceras ou raízes. Mariana Paraizo trabalha com ovo e cimento, erguendo corpos que oscilam entre proteção e fragilidade, casca e abrigo. Já Mery Horta combina cabelo, madeira rejeitada, cabaça e sementes, dando vida a criaturas orgânicas, enquanto Mônica Coster usa cerâmica, cabelo e unha para conceber morfologias híbridas, nas quais humano e não humano se misturam.

Para Clara Machado e Mariana Paraizo, a escolha de trabalhar com esse conceito revela uma conexão profunda entre os trabalhos do grupo. “A exposição nasceu do desejo de produzir um encontro entre as quatro artistas. No processo de elaboração do projeto curatorial, notamos a presença de um território comum que atravessava as poéticas de todas nós, e esse território é o corpo. No entanto, cada artista opera de modo próprio nesse território, produzindo relações que se desdobram em discussões sobre vida e morte, natureza e cultura, e apontam para diferentes formações corpóreas e matéricas. A ambiguidade da palavra ‘morfologia’, por se relacionar tanto ao estudo das formas em organismos, palavras e de estruturas em geral, vem como um fio curatorial que amplia esse encontro e acentua o caráter aberto e processual da própria construção do corpo, sua labilidade”, explicam.

O percurso também propõe um mergulho sobre como a sociedade enxerga o planeta. Segundo a curadora Rayssa Veríssimo, a exposição é um convite para repensar conceitos históricos que nos afastam do meio ambiente. “Vivemos um momento em que se torna urgente repensar aquilo que nos foi dado como mundo. Historicamente, a tradição ocidental tomou o humano como forma e medida para separar cultura e natureza, legitimando nossas relações de dominação e exploração. No entanto, quando voltamos o olhar para outras formas de vida, percebemos que compartilhamos formas, matérias e até processos vitais, contrariando a pretensa superioridade humana. Nesse sentido, imaginar corpos que escapam à dicotomia entre cultura e natureza, embaralhando as fronteiras das formas, é também uma maneira de reimaginar o próprio mundo e as relações que o constituem”, destaca a curadora.

As obras funcionam, ainda, como um campo aberto para o público criar as suas próprias percepções. “As obras presentes na exposição operam, de modos singulares, uma espécie de desnaturalização acerca do que é um corpo, convidando o público a refletir sobre os limites dados como fixos entre natureza e cultura, humano e não humano. Por meio de formas orgânicas, que podem, por vezes, se assemelhar a elementos corpóreos reconhecíveis, as obras evocam algo simultaneamente familiar e estranho, despertando questões sobre nossa materialidade compartilhada com outras formas de vida. No entanto, essas reflexões não são apresentadas de maneira fechada ou definitiva.
Cada trabalho oferece um campo aberto de associações, no qual os sentidos são construídos a partir do conjunto criado na exposição e do encontro entre o corpo da obra e o corpo do espectador. Para além da representação de corpos específicos, os trabalhos abrem espaço para imaginar outras maneiras de existir e de nos relacionarmos com o que nos cerca”, pontua Clara Machado.

A programação conta ainda com a oficina gratuita de escultura Fabulações, ministrada pela artista convidada Darks Miranda, que acontece no dia 9 de setembro, às 10h.

Serviço:

Visitação: 08/07/26 à 04/10/26 | Terça a Sexta das 7h às 21h; Sábados, Domingos e Feriados das 9h às 18h
Sesc São Gonçalo – Av. Pres. Kennedy, 755 – Estrela do Norte – São Gonçalo – RJ
www.sesc.com.br

Quase cinquenta anos depois da 38ª Bienal de Veneza, a Galatea apresenta Representações brasileiras – Bienal de Veneza (1978), exposição que revisita a representação brasileira concebida pela pesquisadora e curadora Lélia Coelho Frota para a participação na mostra italiana. A exposição lança um novo olhar sobre uma curadoria inovadora que, ainda em 1978, levou a um dos principais eventos de artes internacionais uma leitura heterogênea da produção artística no país. Com abertura em 20 de agosto, das 18h às 21h, na unidade da Padre João Manuel, a mostra integra a programação da galeria na semana que antecede a SP-Arte Rotas, que movimenta o circuito artístico da capital paulista.

Realizada entre 2 de julho e 15 de outubro de 1978, a 38ª Bienal de Veneza, intitulada Da Natureza à Arte, da Arte à Natureza, foi marcada pela aproximação entre arte e questões ambientais. Dentro desse contexto, coube a Lélia Coelho Frota pensar a representação nacional e responder ao tema da Bienal a partir da própria diversidade cultural, social e territorial do país. A exposição na Galatea reúne obras de diferentes períodos dos artistas que integraram a participação brasileira: Carlos Fajardo, Geraldo Teles de Oliveira (G.T.O.), Júlio Martins da Silva, Luiz Aquila, Maria Auxiliadora, Madalena dos Santos Reinbolt, Paulo Garcez e Wilma Martins, além de trabalhos das comunidades indígenas do Alto e Médio Xingu e do paisagista Roberto Burle Marx, apresentados em Veneza por meio de trabalhos audiovisuais comissionados ao cineasta Marcelo Tassara.

A proposta de Lélia partia da diversidade de modos de viver e habitar o território brasileiro. Em vez de construir uma imagem única do país, ela aproximou artistas de diferentes origens e trajetórias, colocando em relação produções ligadas ao circuito da arte contemporânea e trabalhos de artistas autodidatas que encontravam pouca receptividade no mercado e no circuito institucional justamente por serem classificadas como não acadêmicas, não canônicas ou pertencentes ao campo da arte popular. Sem privilegiar uma linguagem específica, a curadora colocou lado a lado pintura, desenho e escultura e aproximou experiências que partiam de relações distintas com a paisagem, a cidade e o campo, o espaço doméstico e a vida coletiva.

O princípio que orienta a exposição é revisitar, a partir do acervo da galeria, os percursos dos artistas brasileiros que nela participaram da sua montagem em 1978, reunindo sobretudo produções de períodos próximos aos da Bienal e ampliando a leitura sobre suas pesquisas.

Da escultura em madeira de Geraldo Teles de Oliveira (G.T.O.), em que figuras humanas e animais se sobrepõem e parecem se prolongar umas nas outras, às paisagens de Júlio Martins da Silva, a relação com a natureza assume formas distintas. Nas pinturas de Martins, casas, caminhos, jardins, árvores e corpos d’água organizam cenários povoados por pequenas figuras, animais e detalhes do cotidiano, construindo paisagens que oscilam entre o reconhecível e o imaginado. A obra de Maria Auxiliadora acrescenta ao conjunto uma cena em que a presença humana e a experiência cotidiana ocupam o centro da composição.

Os desenhos de Paulo Garcez se aproximam da escrita e da construção de universos que parecem surgir de dentro da própria superfície do papel. Já em Wilma Martins, é o espaço doméstico que se transforma: animais, plantas e outros elementos naturais invadem cozinhas, móveis e interiores, criando uma espécie de natureza fantástica dentro do ambiente urbano. Em ambos, o traçado aparece como território de passagem entre o que é visto e o que é imaginado.

Ao reunir novamente esses artistas em São Paulo, a exposição estabelece uma ponte entre dois momentos da história da arte brasileira. Se, em 1978, Lélia Coelho Frota conduziu um movimento precursor em apresentar arte popular brasileira no exterior, hoje o reencontro com esses artistas acontece em um cenário de renovado interesse por artistas e produções que permaneceram à margem das narrativas dominantes da arte brasileira.

Representações brasileiras – Bienal de Veneza (1978) retoma essas pesquisas não apenas como registro de uma representação histórica, mas como uma oportunidade de revisitar a produção de artistas importantes para debates que permanecem atuais no campo das artes visuais brasileiras.

Artistas presentes na mostra: Carlos Fajardo, Geraldo Teles de Oliveira (G.T.O.), Júlio Martins da Silva, Luiz Aquila, Madalena dos Santos Reinbolt, Maria Auxiliadora, Paulo Garcez, Povos Indígenas do Alto e Médio Xingu, Roberto Burle Marx e Wilma Martins.

Serviço:
Abertura: 20/08/26 às 18:00h
Visitação: 20/08/26 à 17/10/26 | Segunda-feira, Terça-feira, Quarta-feira, Quinta-feira das 10:00h às 19:00h
Sexta: 10h às 18h | Sábado: 11h às 17h
Rua Padre João Manuel, 808 – Térreo, São Paulo – SP, 01411-001 www.galatea.art

Mostra junta-se aos eventos da ArtRio e Semana de Arte do Rio

A galeria Dobra/ArtNova apresenta a exposição ‘A Arte do Rio’, com artistas visuais que vivem e produzem no Rio de Janeiro, e obras que tenham a cidade, sua cultura e seus imaginários como tema, além de pesquisas poéticas, apresentando um panorama da produção artística do Rio.

A mostra acontece durante um período especial para as artes – ArtRio e Semana de Arte do Rio, trazendo maior visibilidade aos artistas, encontros com o público, colecionadores, curadores e profissionais da área. Durante o período de duração, serão realizadas diversas atividades – visitas guiadas, conversas com artistas e curadores, Circuito Bhering de setembro e finissage, transformando ‘A Arte do Rio em uma experiência inesquecível.

A Arte do Rio acontece de 29 de agosto a 26 de setembro, sendo que a vernissage será no dia 5 de setembro, no Circuito Bhering de setembro, e pode ser visitada às quintas e sextas, das 12h30 às 17h, e aos sábados, das 10h às 18h. Censura livre. Entrada franca.

Serviço

Exposição: A Arte do Rio

Artistas: coletiva

Curadoria: Marcelo Rezende/Bruno Castaing

Local: Galeria Dobra/Artnova

Rua Orestes, 28 – 2º andar – Fábrica Bhering – Santo Cristo – RJ

Vernissage: 05 de setembro – 14h às 18h – Circuito Bhering

Visitação: 29 de agosto a 26 de setembro de 2026

Dias e horários: quintas e sextas., das 12h30 às 17h, e aos sábados, das 10h às 18h

Assessoria de Imprensa: Paula Ramagem

Entrada gratuita

Censura livre

Artistas visuais trazem manifestos criados em duplas ao espaço

O Coletivo Poíesis apresenta a exposição ‘Terra que Desmancha, Evapora e Solidifica’, no espaço do Vazio Criativo, onde duplas de artistas visuais, com pesquisas opostas na concepção e realização, por indicação desafiadora do orientador e curador Andrés I. M. Hernández, PhD, criaram manifestos visuais como resultado desses confrontos plausíveis que identificam o potencial do artista na sua constituição morfológico sensorial e sua projeção social, artística e cultural.

Ao mesmo tempo, a mostra traz um recorte com obras de arte da pesquisa individual dos 20 artistas visuais participantes. Em cada obra de arte e no conjunto delas, há a proposta de estabelecer conexões e leituras que evidenciem o trabalho para concretizar a ciência da arte na exposição.

A abertura acontece no dia 22 de agosto, das 10h às 16h, no Vazio Criativo, e pode ser visitada até o dia 05 de setembro, de terça a sexta, das 10h às 18h, e sábado, das 10h às 16h. Com entrada franca e censura livre.

Sobre o Coletivo Poíesis

A exposição Terra que Desmancha, Evapora e Solidifica é a quarta do Coletivo Poíesis nos 20 meses de constituído. Durante esse período já aconteceram as exposições de Livros de Artista em São Paulo e Goiânia e a participação na FARGO, também na capital de Goiás. Todos os projetos corroboram que o que pauta e imanta a existência, consistência e vulcanização do Coletivo é precisamente penetrar, explorar e explodir os núcleos dos desafios pessoais, artísticos e estéticos.

(…) A solidez da Terra em sua pluralidade constitutiva e projetiva carrega uma acepção metafórica nos livros de artista, pinturas, impressões digitais, I.A., instalações, procedimentos cerâmicos, arte têxtil, intertextos, áudio e vídeo arte que mapeiam sem fronteiras o feminino, as relações cíclicas entre obras de arte e espaço arquitetônico, gênero, raça, preservação ambiental, paisagem, corpo, memória, cultura, ancestralidade, o respeito e o fato de sermos seres humanos. Ternura e Injúria em cada obra de arte na exposição!

Pautar desafios aos artistas do Coletivo e a receptividade e capacidade para desenvolvê-los manifesta a potência de equipe que nos caracteriza. Assim, estruturar uma obra de arte – impressão digital sobre lona com dimensões de 100 x 45 x 0,3 cm – para o corredor do Vazio Criativo foi a pauta particular para a exposição: aí está verificável!

Discute-se e amplia-se a percepção crítica e dialética dos membros do Coletivo ao reverberar discussões sobre modalidades nitidamente limitadas em relação ao Sistema Artístico Contemporâneo, como a cerâmica e a arte têxtil. Uma premissa importante nos encontros do coletivo é refletir a partir de cada pesquisa particular sobre como contribuir criticamente para dialogar com todas as modalidades. Assim enriquece-se individual e coletivamente.

O Coletivo Poíesis está constituído por artistas visuais de várias regiões do Brasil que se encontram virtualmente às terças feiras para estabelecer diálogos e discussões sobre os processos, questionamentos e projeções das pesquisas artísticas individuais, consolidando um arcabouço plural no Sistema Artístico Contemporâneo, sob a orientação do pesquisador, curador, crítico de arte e professor Andrés I. M. Hernández.

Após as apresentações individuais, os demais integrantes, de maneira respeitosa, sugerem e abordam argumentos artísticos e interdisciplinares sobre a partir da experiência particular e é finalizada com os comentários de Hernández. Os diálogos possibilitam aos integrantes do Coletivo revisitar, consolidar, atualizar e hibridizar formal, conceptual e espacialmente categorias estéticas, modalidades artísticas contemporâneas e ferramentas estruturais e sensoriais que acompanham o espiral evolutivo e inclusivo no sistema artístico e na sociedade contemporânea. Isto assimilado e editado às particularidades de cada pesquisa e poética artísticas. O que enriquece as convicções e atitudes críticas do coletivo.

Assim, deste espiral dialético compartilhado de experiências, projetos, desafios, portfólios, statements, biografias, currículos, poéticas, práticas artísticas, cada participante vai revisitando, se atualizando e se preparando para, também, participar de editais, salões de arte, galerias, feiras de arte, publicações, residências, exposições individuais, coletivas, etc., para atuarem como agentes ativos, sólidos e progressivos do e no Sistema Artístico Contemporâneo.

PhD Andrés I. M. Hernández
Orientador e Curador do Coletivo Poíesis
São Paulo abril/julho 2026

Sobre os artistas

. Andréia Reis & Jacqueline Paz

. Denise Braune & Nídia Albesa

. Elaine Fontes & Tiago Paiva

. Elaine Gallo & Priscilla Ramos & Virginia Lisboa

. Leandro de Araújo Moura & Sueli Espicalquis

. Lucrécia Couso & Tarcísio Benevides

. Luisa Libardi & Tamara Roman

. Maria Luisa Lobo Editore

. Rossana Jardim & Wanessa Alcântara

. Sylvia Sóglia & Vani Caruso

Serviço

Exposição: Terra que Desmancha, Evapora & Solidifica

Artistas: Coletivo Poíesis @coletivopoiesis

Curador: Andrés I.M. Hernández

Abertura: 22 de agosto de 2026, das 10h às 16h

Visitação: até 05 de setembro de 2026

Dias e horários: terça a sexta, das 10h às 18h e sábados, das 10h às 16h

Local: Vazio Criativo

End.: R. Lavradio, 573 – Barra Funda – SP/SP

Assessoria de Imprensa: Paula Ramagem

Censura livre

Entrada franca